Affichage des articles dont le libellé est Exposition. Afficher tous les articles

Exposition : Louise Bourgeois. Extrême tension (20 octobre 26-21 février 27)

À la B.N.F. (côté Richelieu, Galerie Mansart – galerie Pigott), une nouvelle exposition peut être visitée depuis quelques jours :

Louise Bourgeois, Altered States (États modifiés) – Don de l’artiste en 1995. Collection Centre Pompidou, Paris. Musée national d’art moderne - Centre de création industrielle - 1992 - © The Easton Foundation / Adagp, Paris. Crédit photo : © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jean-Claude Planchet/Dist. GrandPalaisRmn

Le site nous dit :

« Cette exposition consacrée à l’œuvre graphique de Louise Bourgeois réunit pour la première fois les fonds de la Bibliothèque nationale de France et du Centre Pompidou. C’est aussi la première exposition dédiée à l’artiste dans une institution publique parisienne depuis 2008.

Figure majeure de l’art contemporain, Louise Bourgeois (1911-2010) a construit son œuvre en marge des grands courants qui ont marqué le XX^e siècle — surréalisme, expressionnisme abstrait, minimalisme… — développant un langage profondément personnel qui exerce toujours une profonde influence sur de nombreux artistes.

Installée à New York dès 1938, elle découvre la gravure dans l’Atelier 17 de Stanley William Hayter — une technique qui deviendra, avec le dessin, essentielle à toute son œuvre. Gravure, dessin et sculpture se nourrissent mutuellement ; les mots s’inscrivent dans les images ; les gestes se répètent comme des rituels.

En 1995, le Musée national d’art moderne – Centre Pompidou et la Bibliothèque nationale de France consacraient deux expositions distinctes à son œuvre graphique, dessins d’un côté, gravures et livres de l’autre. À cette occasion, la Bibliothèque nationale de France reçut de l’artiste un don exceptionnel : une centaine de planches couvrant la totalité de sa production, un ensemble enrichi par la suite par les dons réguliers des Amis de la BnF.

Le Cabinet d’art graphique du Centre Pompidou acquit quant à lui des dessins récents, essentiellement des années 1990, auxquels se sont ajoutés plusieurs dons consécutifs de l’artiste, de la Clarence Westbury Foundation et des American Friends du Centre Pompidou.

Louise Bourgeois, Sans titre. Achat de l’État, 1993 ; attribution au Centre Pompidou, Musée national d’art moderne/Centre de création industrielle, 2008. Collection Centre Pompidou, Paris Musée national d’art moderne - Centre de création industrielle - 1951 - © The Easton Foundation / Adagp, Paris. Crédit photo : © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Philippe Migeat/Dist. GrandPalaisRmn

Aujourd’hui, le Centre Pompidou conserve 91 œuvres (dessins, estampes, sculpture et installation) et la BnF plus d’une centaine d’estampes ainsi que huit livres d’artiste. En réunissant pour la première fois ces deux fonds complémentaires, l’exposition permet de comprendre l’interdépendance du dessin et de la gravure chez Louise Bourgeois, et met en lumière les principaux thèmes qui jalonnent son œuvre. »

Exposition : Georges Perec modes d'emploi (13 octobre 26-14 février 27)

À la B.N.F. (côté François-Mitterrand, en Galerie 1), une nouvelle exposition peut être visitée depuis quelques jours :

Le site nous dit :

« La BnF consacre à l’écrivain Georges Perec (1936-1982), figure majeure de la littérature française du XX^e siècle et membre emblématique de l’Oulipo, une grande exposition de près de 300 pièces. Auteur notamment des Choses, de La Disparition et de La Vie mode d’emploi, traduit dans de très nombreuses langues, Perec demeure un écrivain de référence dont l’œuvre continue d’inspirer nombre de créateurs.

L’exposition en bref

Pensée comme une exposition « modes d’emploi », cette présentation réunit près de 300 pièces et invite à découvrir ou mieux connaître une œuvre polymorphe. Manuscrits, photographies, peintures, dessins et objets conservés à la Bibliothèque nationale de France, sur son site de l’Arsenal (Paris IV^e), interrogent ainsi le « mythe Perec », tout en dévoilant, en miroir de ses écrits, l’homme derrière l’œuvre.

Une vie mode d’emploi

Georges Perec a commencé dramatiquement sa vie : son père meurt en 1940 lors des premiers combats de la Seconde Guerre mondiale, sa mère est déportée et assassinée à Auschwitz en 1943 et lui-même passe l’Occupation comme « enfant caché » dans le Vercors. Après des débuts difficiles, le succès littéraire arrive en 1965 avec Les Choses, s’estompe un peu puis ressurgit en 1978 grâce au succès de La Vie mode d’emploi. Après le décès brutal de Perec à 46 ans, son œuvre n’a cessé de gagner en importance et reconnaissance jusqu’à son entrée dans la prestigieuse Bibliothèque de la Pléiade en 2017.

La Vie mode d’emploi, chapitre 73 : Cahier des charges © Indivision Richardson Saluden – BnF, Bibliothèque de l’Arsenal, Ms-Perec-61,74r

Des voyelles et une absente, parcours dans l’œuvre et la vie de Perec

Ludique et interactif, le parcours de l’exposition se déploie en six espaces pensés comme les voyelles de l’alphabet. À travers ces étapes, il donne à voir une œuvre dont la découverte révèle aussi l’homme qui se cache derrière les textes.

Notes, manuscrits, tapuscrits et publications dialoguent avec photographies, dessins, peintures et objets (un vélo, une machine à écrire) pour tisser avec le visiteur une relation où la notion de jeu, si présente chez Perec et ses amis oulipiens, occupe une place centrale.

Espace A : le premier espace présente la grande diversité d’une œuvre protéiforme, particulièrement perceptible dans les tentatives de jeunesse et les premières publications, comme Les Choses (prix Renaudot 1965), et Un homme qui dort, que l’écrivain adapta au cinéma en 1974.

Espace [E] : référence à l’une de ses œuvres les plus célèbres, La Disparition, dans laquelle la lettre E n’apparaît jamais, cet espace mystère évoque l’absence et compose, en creux, le portrait de celui que l’exposition convoque.

Espace I : cet espace montre l’usage libératoire de la contrainte dans la construction et l’écriture de romans (La Disparition) comme de poèmes (Alphabets), nourri par son compagnonnage avec l’Oulipo (Ouvroir de littérature potentielle), groupe de recherche littéraire fondé en 1960 par Raymond Queneau et François Le Lionnais.

Espace O : cette partie s’attache à l’attention portée aux choses communes et ordinaires, qui composent le décor quotidien et définissent une génération comme un individu. Y sont évoqués Je me souviens et Espèces d’espaces, aujourd’hui prolongés par de nombreux créateurs et qui invitent aussi leurs lecteurs à poursuivre le geste.

Espace U : lorsque sa volonté de totalité s’appuie sur les contraintes pour réhabiliter réalisme et ambition épique, Perec construit La Vie mode d’emploi (prix Médicis 1978), son chef-d’œuvre, dont les étapes de création sont présentées à partir des manuscrits préparatoires.

Espace Y : la dernière section de l’exposition témoigne de la foi en la littérature comme remède, recherche salvatrice et affirmation vitale, par-delà les traumatismes d’une enfance volée (W ou le souvenir d’enfance) ou l’interrogation sur l’exil (Récits d’Ellis Island).

Une source d’inspiration pour les créateurs de tous horizons

Les nombreuses résonances de l’œuvre de Perec chez les artistes contemporains sont évoquées par la présentation de plusieurs oeuvres plastiques ou graphiques de Christian Boltanski, Sophie Calle, Sam Szafran, On Kawara ou Roman Opalka ; des maquettes de Clarence Stiernet, des broderies du groupe Perecofil, dessins de Brecht Evens ou Étienne Lécroart… L’exposition propose également de découvrir le talent méconnu, sinon inédit, de Georges Perec comme dessinateur et peintre. Enfin, une sélection d’extraits de films rappelle sa participation à plusieurs réalisations cinématographiques.

Georges Perec, Manuscrit des Choses. Collection particulière © Indivision Richardson Saluden – BnF, Bibliothèque de l’Arsenal, Ms-Perec-89 »

Exposition (à venir) : Louvre Photo (4 novembre 26-3 mai 27)

Du 4 novembre 26 au 3 mai 27, une exposition à la Mezzanine Napoléon au musée du Louvre va célébrer le bicentenaire de la photographie.

Les œuvres présentées se focaliseront sur le Louvre : « Louvre Photo

L’ouverture du Louvre a précédé de quelques décennies la naissance de la photographie. Le musée, qui associe réel et imaginaire et permet de voyager dans le temps et dans l’espace, a constitué un berceau fécond d’inspiration pour les premiers photographes. L’exposition Louvre Photo se centre sur le Louvre comme modèle, comme sujet, comme source d’inspiration, comme objet de détournement. À travers plus de 300 photographies comme des photographies du Louvre, de ses œuvres, ses salles d’expositions, ses espaces ouverts, mais aussi les visiteurs célèbres et anonymes, les acteurs du musée, les lieux cachés et les coulisses – Louvre Photo invite à la découverte et à la révélation, en convoquant des regards renouvelés, distanciés, parfois non sans humour ou décalage, sur le musée, l’institution et ses collections.

Louvre Photo couvre la longue période qui s'est écoulée depuis l'invention de la photographie jusqu'à maintenant, des premiers photographes à ceux aujourd’hui invités par le musée, comme Robert Polidori récemment. Cette période a été marquée par de grands événements historiques comme la Commune, la Première et la Deuxième Guerre mondiale, et l’épanouissement diplomatique et touristique des Trente Glorieuses. Elle a aussi été jalonnée par des moments clés de l'histoire du Louvre, comme la transformation du palais en musée sous le Second Empire, le déplacement et le retour des œuvres pendant les deux guerres mondiales, et la création du Grand Louvre dans les années 1980.

En s’inscrivant dans une unité de lieu - celle délimitée par les murs de l’édifice et par les grilles de ses jardins, les Tuileries notamment - Louvre Photo met en lumière les fonds photographiques conservés au Louvre au sein des différents départements de collections, fonds documentaires toujours actifs, ainsi que les collections d’institutions françaises, notamment les Archives nationales, la Médiathèque de la Photographie et du Patrimoine, la Bibliothèque nationale de France, le musée d’Orsay, le musée Carnavalet, la Bibliothèque historique de la Ville de Paris. L’exposition valorise également les commandes faites aux photographes par le Louvre depuis le début des années 2000.

La scénographie est signée Juan-Felipe Alarcon et le graphisme de l’Atelier Pierre/Pierre.

Cette exposition est labellisée par le Bicentenaire de la Photographie par le ministère de la Culture et s’inscrit dans la programmation officielle du Bicentenaire du 1^er septembre 2026 au 30 septembre 2027.

Commissariat

Quentin Bajac, directeur du Jeu de Paume.

Dominique de Font-Réaulx, conservateur général, chargée de mission auprès du Président-directeur du musée de Louvre. »

Exposition (à venir) : Nicolas Flamel au musée de Cluny (13 octobre 2026-24 janvier 2027)

La prochaine exposition du musée de Cluny sera consacrée à Nicolas Flamel, homme bien réel, mais dont la véritable histoire se mélange avec des contes et autres récits qui n’ont strictement rien à voir avec lui.

L’exposition ouvrira ses portes le 13 octobre prochain jusqu’au 24 janvier 2027.

Le site du musée nous dit :

« Exposition Nicolas Flamel

Alchimiste de papier

Une exploration de la figure de Nicolas Flamel, écrivain public parisien devenu légende alchimique.

Alchimiste visionnaire, immortel, magicien, détenteur de secrets universels… Nicolas Flamel est de ces figures qui nourrissent les fantasmes ! Mais qu’en est-il de la réalité historique de ce bourgeois parisien du XIV^e siècle ?

Le musée de Cluny conserve une des traces les plus tangibles de l’existence de Nicolas Flamel : sa pierre tombale. Autour de cette épitaphe et de documents d’archives, une histoire de Flamel se dégage : celle d’un écrivain public qui était aussi un grand donateur pour les œuvres religieuses et charitables et un fin investisseur immobilier.

Nulle mention de pierre philosophale dans ces documents, et pour cause ! La légende d’un Nicolas Flamel alchimiste ne naît qu’à la fin du XV^e siècle, près de 50 ans après sa mort. Au fil des siècles, la rumeur grandit, les écrits prétendument de sa main se diffusent. Et Nicolas Flamel devient bientôt une source d’inspiration pour les artistes et créateurs de tous horizons, jusqu’à nos jours où la culture populaire s’empare du personnage.

Figure du patrimoine parisien, Nicolas Flamel incarne aujourd’hui encore la fascination pour les savoirs perdus, les marges de la science et les promesses de l’invisible. Ce sont toutes ces dimensions de l’homme et de la légende que l’exposition questionne.

L’exposition est réalisée avec la participation exceptionnelle de la Bibliothèque nationale de France et des Archives nationales. Elle a bénéficié de la collaboration généreuse de l’hôpital des Quinze-Vingts, qui a ouvert son fonds patrimonial à la recherche.

L’exposition bénéficie du soutien de The Ruddock Foundation for the Arts. »

Épitaphe de Nicolas Flamel, Cl. 18823

Expositions (à venir) : Zurbarán et Sculpter la couleur (7 octobre 26-25 janvier 27)

Du 7 octobre 26 au 25 janvier 27, deux expositions vont être présentées au Louvre au Hall Napoléon.

Il y aura : « Zurbarán 1598-1664

Francisco de Zurbarán compte, avec Diego Velázquez et Bartolomé Esteban Murillo, parmi les peintres espagnols les plus importants du XVII^e siècle. D’abord considéré comme un caravagesque marqué par l’ascétisme monastique, il a progressivement été reconnu au XX^e siècle comme un coloriste prodigieux et célébré pour son style très personnel, qui allie la simplification des volumes à un naturalisme saisissant. La National Gallery de Londres, le musée du Louvre et l'Art Institute de Chicago ont donc décidé de s’unir pour proposer une rétrospective qui permettra de découvrir ou de revoir sa peinture, de mieux la comprendre et d’être éblouis par la modernité et la force plastique de ses compositions.

L’objectif de cette exposition n’est pas de présenter une monographie exhaustive, mais plutôt une sélection ambitieuse de peintures de première qualité, accompagnée de repères historiques et culturels, permettant d’admirer la technique de Zurbaran, ses audaces formelles et iconographiques. Le parcours organisé en sept sections, aborde les différentes facettes de l’œuvre peint de Zurbarán dans une logique chrono-thématique qui rend justice au déroulé de sa longue carrière, tout en s’affranchissant par moment de la chronologie pour proposer des regroupements d’œuvres.

L’exposition du Louvre accordera une grande importance aux peintures monumentales provenant des commandes monastiques en Andalousie, qui ont fait la renommée de Zurbarán, mais aussi aux portraits et aux natures mortes, en réservant une place de choix à la courte production de son fils Juan de Zurbarán (1620- 1649). Quelques peintures, datant de la fin du XIX^e siècle et du début du XX^e siècle, permettront d’évoquer en épilogue l’importance de Zurbarán pour les avant-gardes en France (Edouard Manet, Pablo Picasso, Juan Gris).

Cette exposition est organisée par le musée du Louvre, la National Gallery de Londres et l'Art Institute of Chicago

Cette exposition est à découvrir au même moment et au sein du même espace que l'exposition Sculpter la couleur, ménageant ainsi des jeux de regards originaux grâce à une scénographie conçue conjointement. La réservation d'un billet donne accès aux deux expositions.

Commissariat

Charlotte Chastel-Rousseau, conservatrice en chef au département des Peintures, musée du Louvre, en collaboration avec Francesca Whitlum-Cooper et Daniel Sobrino Ralston, National Gallery, Londres et Rebecca Long, Art Institute of Chicago. ».

Notez qu’il y aura une présentation de l’exposition en direct sur la chaîne YouTube du musée du Louvre le 12 octobre 26 à 12:30.

Présentée en même temps, il y aura l’exposition : « Sculpter la couleur

Chefs-d’œuvre du Musée national de sculpture, Valladolid

Organisée au même moment et au sein du même espace que l’exposition monographique consacrée au peintre Francisco de Zurbarán (1598-1664), ce qui permet de ménager des jeux de regards grâce à une scénographie conçue conjointement, l’exposition invite à découvrir la sculpture espagnole du XVII^e siècle.

Il s’agit en grande partie de sculptures religieuses en bois polychromé au naturalisme saisissant, qui permettent de mieux comprendre l’ambiance culturelle et religieuse dans laquelle se place l’œuvre des grands peintres espagnols de la même période, au premier rang desquels Zurbarán, Velázquez ou Murillo, à une époque où les liens entre peinture et sculpture sont très étroits. L’exposition mettra tout particulièrement en valeur le prêt d’un paso de procession complet, ensemble monumental de cinq figures sculptées et peintes grandeur nature, datant du début du XVII^e siècle, œuvre de Gregorio Fernández, grand sculpteur alors actif à Valladolid, présenté à hauteur d’homme pour permettre une observation la plus directe possible. Le parcours se poursuivra à travers plusieurs axes thématiques : le culte des reliques et le rôle des saints intercesseurs, les statues habillées, la représentation des souffrances du Christ et de la Vierge, la dévotion privée et l’Immaculée Conception. Il sera ainsi possible d’explorer les différents usages et significations de ces sculptures, mais aussi de mieux comprendre leur matérialité, les inflexions régionales et stylistiques, et la personnalité des principaux sculpteurs de ce temps, actifs en Castille ou en Andalousie, à travers d’autres œuvres de Gregorio Fernández, mais aussi d’Alonso Cano, Juan de Mesa, José de Mora, Pedro de Mena, Jerónimo Francisco et Miguel Jerónimo Garciá, José de Arce, Pedro Roldán ou encore Luisa Roldán, une des rares artistes femmes ayant connu une carrière éblouissante jusqu’à la cour royale. Outre le paso Camino del Calvario, parmi les prêts majeurs de cette exposition, jamais vus en France, on compte notamment le Cristo de la Luz également de Gregorio Fernández, un Christ en croix grandeur réelle au naturalisme saisissant, ou encore le Saint Jean Baptiste, chef-d’œuvre d’Alonso Cano. La Vierge et l’Enfant avec saint Jean Baptiste de Luisa Roldán et L’Immaculée Conception de Pedro de Mena datée de 1680, liée à un concours organisé par l’évêque de Grenade, deux acquisitions majeures récentes du musée, spectaculairement restaurées, seront également présentées.

Exposition organisée par le musée du Louvre avec la collaboration exceptionnelle du Museo Nacional de Escultura, Valladolid

Cette exposition est à découvrir au même moment et au sein du même espace que l'exposition Zurbarán, ménageant ainsi des jeux de regards originaux grâce à une scénographie conçue conjointement. La réservation d'un billet donne accès aux deux expositions.

Commissariat

Valérie Carpentier-Vanhaverbeke, conservatrice en chef au département des Sculptures, musée du Louvre et Alejandro Nuevo Gómez, directeur du Museo Nacional de Escultura, Valladolid.

Application mobile

Une application mobile gratuite sera disponible dans l’exposition. Elle pourra être consultée sur smartphone ou sur tablette. Afin de profiter au mieux des contenus sonores proposés, pensez à apporter vos écouteurs ou votre casque.

Cette application sera commune aux expositions « Zurbarán » et « Sculpter la couleur », présentées au même moment et au sein du même espace. »

Notez qu’il y aura une présentation de l’exposition en direct sur la chaîne YouTube du musée du Louvre le 8 octobre 26 à 12:30.

Exposition (à venir) : Mary Cassatt / L'indépendante (6 octobre 26-31 janvier 27)

La prochaine grande exposition de peinture du musée d’Orsay ouvrira ses portes le 6 octobre et pourra être visitée jusqu’au 31 janvier 27.

N’oubliez pas la nocturne du jeudi jusqu’à 21h45.

Le site du musée présente l’exposition ainsi :

« Mary Cassatt / L'indépendante

Pour marquer le centième anniversaire de la mort de l’artiste, le musée d’Orsay organise une grande exposition consacrée à Mary Cassatt (1844-1926). Il s’agit, en France, d’un événement attendu : les musées nationaux n’ont encore jamais dédié d’exposition majeure à Mary Cassatt, membre actif du groupe impressionniste et l’un de ses piliers. Son centenaire invite à examiner la place centrale de cette artiste de tout premier plan, parvenue, par son talent et sa détermination, à se forger une identité unique dans l’histoire de l’art de la fin du XIXᵉ siècle et du début du XXᵉ, de part et d’autre de l’Atlantique.

Mary Cassatt se qualifiait d’« Américaine, nettement et franchement américaine », mais a d’abord ancré son art dans la tradition picturale des maîtres anciens, étudiée lors de ses voyages en Europe, avant de devenir une figure incontournable du mouvement impressionniste en France, où elle vécut pendant pas moins de six décennies. « Je suis indépendante ! », proclamait-elle : « Je peux vivre seule et j’aime travailler ». Adoptant une approche chrono-thématique, l’exposition dresse un nouveau portrait de l’artiste, étudiant son art sous le prisme de la notion d’indépendance, dont elle tire grande fierté, et qu’elle érige toute sa vie comme son principe directeur.

Comprenant près de 80 tableaux, pastels et estampes, et couvrant l’ensemble de la carrière de l’artiste, « Mary Cassatt, L'indépendante » ouvre de nouvelles perspectives sur son œuvre, en s’appuyant sur des lettres inédites et des sources à ce jour non encore exploitées. Seront présentées des œuvres de collections européennes, publiques et privées, rarement montrées, ainsi que des peintures et des pastels provenant de collections américaines peu exposées en dehors des États-Unis.

Une sélection d’œuvres de jeunesse de Cassatt et de portraits de ses proches montre comment le milieu social de l’artiste, ses déplacements et sa connaissance de l’art du passé ont façonné son approche et sa pratique. Mettant un point d’honneur à être indépendante (à l’origine, à la demande de sa famille fortunée), elle s’établit rapidement dans son propre atelier et y emploie des modèles rémunérés. Dans un milieu très largement masculin, et sur fond de nationalisme latent, elle parvient sans tarder à s’imposer comme peintre professionnelle.

Ses représentations de jeunes femmes élégantes, évoluant en société, recevant chez elles ou se divertissant au théâtre – à la conquête du monde moderne, et de leur indépendance – comptent parmi les réalisations les plus remarquables de l’artiste, comme en témoignent des exemples éblouissants. Ces images pleines d’audace et de vivacité ne manquent pas d’attirer l’attention dans les expositions impressionnistes, auxquelles Mary Cassatt participe assidûment (à quatre reprises, à partir de 1879), à l’invitation de son ami Edgar Degas. La contribution essentielle de Mary Cassatt à ces expositions d’avant-garde, autoproclamées « indépendantes », sera examinée et réévaluée.

Ses activités sur le terrain du marché de l’art constituent un autre aspect fondamental de l’indépendance de l’artiste. Celle-ci se spécialise dans la peinture de « mères à l’enfant », genre en forte demande, dans lequel elle excelle - et auquel elle reste associée - tout en honorant des commandes de portraits. Quelques œuvres clés de l’exposition évoqueront également son rôle crucial de « consultante », conseillant ses proches, ses amis et connaissances américains dans leurs achats de tableaux notamment impressionnistes - et donc dans la constitution de collections d’art aux États-Unis.

À ce stade de sa carrière, au début des années 1890, l’indépendance financière de Mary Cassatt lui permet de devenir propriétaire foncière. Entouré d’un vaste parc, le château qu’elle acquiert dans l’Oise sert de toile de fond à de nombreuses scènes d’extérieur où évoluent femmes et enfants : œuvres lumineuses, aux couleurs vibrantes. Modern Woman, la plus importante commande qu’ait reçue l’artiste, pour un décor monumental destiné au Pavillon de la Femme lors de l’Exposition universelle de Chicago en 1893, constitue un temps fort dans sa carrière et une étape majeure dans son œuvre. Cette décoration colossale, aujourd’hui disparue, sera évoquée au sein du parcours au travers d’un ensemble d’estampes et de pastels en lien avec ce décor, ainsi que par le biais d’un film proposant une restauration numérique de cette œuvre gigantesque (4 x 18m), d’une ambition unique tant par ses dimensions que par son sujet. Son admirable série d’estampes, les Dix Planches en couleurs, sera également étudiée à la lumière de cette nouvelle phase de son travail, remarquablement expérimentale, et de ses opinions progressistes sur l’éducation des femmes.

L’engagement de Mary Cassatt en faveur de l’indépendance est en effet allé au-delà de son propre parcours et de sa démarche artistique. Fervente partisane de la lutte des femmes pour le droit de vote, Cassatt encourage ses contemporains à « œuvrer pour le suffrage, car ce sont les femmes qui décideront de la question de la vie ou de la mort d’une nation. » Avec son amie Louisine Havemeyer, elle organise en 1915, à New York, une exposition au profit du suffrage des femmes. Une sélection restreinte de tableaux de Mary Cassatt montrés dans cette exposition conclut le parcours, démontrant comment non seulement l’art de cette artiste pionnière, mais aussi ses agissements ont pu tendre vers l’activisme.

Commissariat

Paris

Caroline Corbeau-Parsons, conservatrice Arts graphiques et Peinture, musée d’Orsay ;
Anne Robbins, conservatrice Peinture, musée d’Orsay ;

Londres

Sarah Moulden, senior curator of 19th Century Collections, National Portrait Gallery ;

Boston

Erica Hirshler, Croll senior curator of American Paintings, Boston Museum of Fine Arts.

Exposition : Le savoir en trompe-l'œil au musée Guimet (16 septembre 26-4 janvier 27)

Alors que certains musées annoncent leurs expositions des semaines à l’avance, d’autres vous annoncent une ouverture le jour-même (le musée du Luxembourg et le musée Guimet ont envoyés leurs lettres d’information un peu tard).

La nouvelle exposition du musée Guimet est consacrée au trompe-l’œil en Corée de la fin du XVIII^e siècle au XX^e siècle.

Le site du musée nous dit :

« À quoi peut servir une bibliothèque lorsque le temps manque pour lire ? À l’heure où le savoir circule sur les écrans, s’évader par la lecture devient parfois un luxe et la bibliothèque est alors souvent plus regardée que pratiquée.

Ce dilemme n’est pas nouveau. Dans la Corée de la fin du 18e siècle, le roi Jeongjo (r. 1776-1800) y est déjà confronté. Pris par les affaires de l’État, n’ayant que peu le temps de lire, il passe commande aux artistes officiels de l’Académie royale de peinture de réaliser un paravent reprenant sa bibliothèque en trompe-l’œil, pour rester proche de ses livres. Il trouve ainsi dans la contemplation de cette peinture un moyen de demeurer symboliquement entouré de ses livres : un trompe-l’œil prolongeant l’esprit du cabinet d’étude, stimulant la vertu, la curiosité et la conversation savante.

Les ambassades coréennes à Pékin jouent alors un rôle déterminant. Les envoyés de Joseon y découvrent les cabinets de trésors chinois, ainsi que l’art jésuite de la perspective, diffusé à la cour des Qing et dans les églises de la capitale impériale par les artistes européens. L’alliance entre l’accumulation érudite chinoise et le savoir-faire européen en matière de trompe-l’œil nourrit l’inventivité des peintres coréens, qui développent un usage singulier de la perspective, le chaekgeori.

Paravent à dix panneaux représentant une bibliothèque, Corée, époque du Joseon (1392-1910), xix^e siècle, Encre, couleurs et or sur soie, Séoul, musée national de Corée © National Museum of Korea’s public work is used according to KOGL

Rapidement, ce nouvel art du livre et des objets se diffuse dans les palais, les demeures aristocratiques et les foyers provinciaux. Livres, porcelaines, bronzes archaïsants, instruments d’écriture ou objets venus de Chine, du Japon ou d’Occident s’y accumulent dans un jeu d’illusions optiques savamment maîtrisé. Loin des vanités européennes, ces bibliothèques peintes ne renvoient pas à des collections réelles, mais à un cabinet des désirs, à ce que l’on aspire à posséder un jour. À partir de la fin du 18e siècle, le livre perd sa valeur savante pour devenir décoratif ; les perspectives se brisent, les formes se distordent, les animaux fantastiques apparaissent. La bibliothèque s’éloigne du réel pour rejoindre un univers à mi-chemin entre surréalisme, fauvisme et onirisme.

Éventail à motif de taegeuk, Corée, époque du Joseon (1392-1910), xix^e siècle, Bois, papier ; 84 × 43 × 2,5 cm, Paris, musée Guimet

Pour la première fois au musée Guimet, une exposition redonne à ce mouvement pictural sa place centrale, loin de l’image folklorique ou purement décorative qui lui est trop souvent associée. Elle tisse des liens entre l’art jésuite et l’art coréen, montre l’impact des ambassades coréennes à la cour de Chine, notamment à travers un exceptionnel rouleau peint de plus de cinq mètres du 18^e siècle présenté pour la première fois, et révèle la diffusion des codes de la perspective grâce à des œuvres provenant du Louvre et du Asian Civilisation Museum de Singapour. Elle démontre également que la Corée du Joseon était tout l’inverse d’un « royaume ermite » mais un pays ouvert, curieux, en dialogue constant avec le monde.

Vase à décor d’étoffe nouée, Chine, dynastie des Qing (1644-1911), règne et marque de Qianlong (1736-1795), Porcelaine à décor d’émaux famille rose ; 20,6 × 10 cm, Paris, musée Guimet

Commissariat :
Dr. Arnaud Bertrand, conservateur des collections Corée – Chine ancienne au musée Guimet »

Exposition : Andy Warhol au musée du Luxembourg (16 septembre 26-10 janvier 27)

Le musée du Luxembourg présente une nouvelle exposition sur Andy Warhol principalement consacrée à ses dessins.

Le site du musée nous dit :

« La ligne et l’image

Si le nom d’Andy Warhol évoque immédiatement les sérigraphies et les portraits de célébrités, son œuvre dessinée occupe une place essentielle dans sa pratique artistique. L’exposition "Andy Warhol. La ligne et l’image" révèle combien ce médium, loin d’être accessoire, accompagne l’ensemble de sa carrière.

Formé à l’illustration, l’artiste n’a jamais cessé de dessiner, y compris après l’adoption des procédés mécaniques qui ont marqué son travail. Le dessin apparaît ainsi comme un lieu d’expérimentation constant, où se construisent les images et se déploie une pensée visuelle singulière. D’un premier Autoportrait daté de 1942 aux dessins à l’acrylique pour La Dernière Cène en 1986, la production dessinée de Warhol est abondante et variée. Portraits, caricatures, scènes de genre, illustrations publicitaires, portfolios autopromotionnels : le dessin reste son outil de prédilection jusqu’à la fin des années 1950. Il lui permet de s’émanciper progressivement des influences de Klee, Picasso, Cocteau, ainsi que d’artistes américains comme Shahn. Par le dessin, Andrew Warhola devient Andy Warhol.

Après une période dominée par la peinture puis le cinéma entre 1963 et 1973, il revient au dessin avec de nouveaux objectifs liés à sa production picturale, notamment aux portraits de commande, dont celui de Mao constitue un exemple majeur. Le dessin devient alors un espace d’expérimentation : il permet de travailler des choix chromatiques, graphiques et conceptuels, souvent à une échelle proche de celle des peintures.

Le parcours s’articule autour de cinq sections thématiques : débuts comme illustrateur publicitaire, importance de l’écriture manuscrite, fascination pour les visages et les masques, iconographie gay longtemps restée confidentielle et réflexions sur la mort, devenue une obsession après l’attentat de 1968 qui a failli lui coûter la vie.

L’exposition réunit environ 150 dessins, ainsi que des peintures, sérigraphies sur papier, photographies et documents d’archives. Elle met en évidence l’inventivité technique de l’artiste et les procédés qu’il met au point (tampons, lignes transférées, pochoirs, collages), pensés pour la reproduction et la répétition des images. Des dessins et documents, rares ou négligés, permettent d’accéder à la fabrique de l’œuvre et d’entrer au cœur de l’atelier new-yorkais de l’artiste, The Factory. Autant de pistes qui invitent à reconsidérer l’ensemble de l’œuvre de Warhol à partir de ce dialogue entre geste et reproduction, entre main et machine.

Exposition produite par le GrandPalaisRmn

COMMISSARIAT

Alain Cueff - Historien de l’art

Scénographie : Véronique Dollfus »

Exposition (à venir) : Delacroix, chevaux et autres animaux (12 septembre 26-18 avril 27)

Du 12 septembre 26 au 18 avril 27, le musée Delacroix nous présentera une nouvelle exposition : Delacroix, chevaux et autres animaux

Eugène Delacroix, Étude d’un étalon alezan

« Le musée Delacroix présente un nouvel accrochage qui explore l’univers animalier d’Eugène Delacroix, à l’occasion de l’acquisition de deux études de chevaux, récemment restaurées. Exposées pour la première fois au musée, les deux études d’étalons, un alezan et un alezan doré, témoignent d’un vif intérêt de Delacroix pour le cheval et sa représentation.

Eugène Delacroix, Étude d’un étalon alezan doré (avant restauration)

Pour le peintre romantique, les chevaux, les lions et les tigres constituent un objet d’étude et un sujet qu’il met en scène dans de nombreux tableaux, lithographies, décors… tout au long de sa carrière.

Les chevaux qu’il voit lors de son voyage au Maroc en 1832 contribuent à nourrir son imaginaire autour du cavalier, qu’il soit soldat ou participant à une fantasia.
Les tableaux que Delacroix considérait comme des études n’avaient pas vocation à être exposés ou vendus mais à lui servir de référence et de source d’inspiration.
Cette présentation temporaire attache une importance particulière au processus de création du peintre. »

Exposition : « Diego Cibeli, confins de porcelaine » (6 juin - 26 octobre 2026 au château de Chantilly)

En même temps que l’exposition « De Naples à Chantilly, les collections de la reine Caroline Murat », le château de Chantilly nous présente une exposition d’art contemporain dans la « Grande Singerie » (dans les Grands Appartements du château) du 6 juin au 26 octobre 2026 :

« Diego Cibeli, confins de porcelaine

Dans le cadre de la saison napolitaine qui s’inaugure le 6 juin 2026 au musée Condé du Château de Chantilly, alors que le Jeu de Paume présente les collections de Caroline Murat, reine de Naples sous l’Empire, l’artiste napolitain Diego Cibelli conçoit une installation, c’est-à-dire un ensemble de sculptures créées pour l’expositions, destinées à l’un des espaces les plus emblématiques des Grands Appartements.

Pour la première fois, l’un des décors les plus emblématiques du XVIII^e siècle, la Grande Singerie peinte en 1737 par Christophe Huet accueille une création contemporaine. Dans cet intérieur où se superposent les strates du goût, du pouvoir et de la mémoire, Diego Cibelli ne reconstitue pas la collection de porcelaines des princes de Condé aujourd’hui disparues, il en fait renaître le souvenir et l’imaginaire. Ses formes fragiles, où s’entrelacent figures humaines, animales et végétales, semblent issues d’un monde enchanté. Entre Naples et Chantilly, sa production relie deux grandes histoires du raffinement, des arts décoratifs et du collectionnisme dans une méditation joyeuse sur l’étrange, l’altérité et la mouvance des formes et des matières.

De Naples à Berlin et Chantilly

Né à Naples en 1987, Diego Cibelli étudie aux Beaux-Arts de sa ville natale avant de se former à la Weissensee Kunsthochschule de Berlin. De retour dans la cité parthénopéenne, il travaille – depuis son atelier du quartier populaire de Scampia dans la périphérie de Naples – un matériau emblématique de l’histoire artistique et politique du royaume de Naples : le biscuit de porcelaine (une céramique cuite sans glaçure).

Cette fragile matière lactée lui permet d’explorer les formes poétiques du vivant, faisant dialoguer et s’entrelacer figures humaines, animales, mythologiques et chimériques dans un univers de métamorphoses.

Après une exposition au musée de Capodimonte à Naples en 2021, Diego Cibelli obtient le premier Prix Carta Bianca en 2024, avant de créer une installation permanente à la Fondation Rovati à Milan en septembre 2025.

Porcelaine en héritage

À Naples, la porcelaine occupe une place singulière dans l’histoire du pouvoir et du goût, analogue à celle qu’elle revêtit à Chantilly. Fondée en 1743 par le roi Charles de Bourbon, la manufacture royale de Capodimonte fut l’une des plus ambitieuses d’Europe avant d’être appelée à une seconde vie sous le règne de Joachim Murat et de Caroline Bonaparte, qui en ravivèrent l’élan expérimental et la portée diplomatique.

Diego Cibelli s’inscrit dans cet héritage, qu’il réinterprète librement dans une fusion féerique de formes anthropomorphes, botaniques et animales, telle l’œuvre site-specific qu’il crée pour la Grande Singerie.

Peint en 1737, ce célèbre décor déployé en arabesques, peuplé d’espiègles figures simiesques où dialoguent et s’interpénètrent les Cinq Sens et les Quatre Parties du monde, abritait autrefois les précieuses collections de porcelaines du duc de Bourbon. Dès 1725, ce prince avait fondé sa propre manufacture à Chantilly, qui perdura jusqu’en 1870.

La Grande Singerie réunissait des porcelaines produites à Chantilly comme d’autres venues des confins de l’Asie, déployant un Orient imaginaire, promesse d’évasion vers l’ailleurs chère aux sociétés des Lumières.

En 2026, Diego Cibelli recrée, avec Confins de porcelaine, l’univers fantastique et métamorphique de cette collection dont la trace s’est aujourd’hui perdue, dans un harmonieux choc de représentations.

Le titre de l’exposition évoque les lointains géographiques rêvés au XVIIIe siècle comme les frontières mouvantes entre les règnes, les formes et les matières, au cœur du travail de l’artiste. Confins de porcelaine interroge ainsi l’étrangeté et l’altérité dans un jeu de rencontres entre les personnages, l’architecture, le décor, l’œuvre contemporaine et le public.

Cette installation tisse un dialogue inédit entre l’histoire des collections de Chantilly, l’imaginaire exotique du XVIIIᵉ siècle et les formes contemporaines de l’expérience de la découverte de l’étranger profondément ancrée dans la tradition millénaire de la cité portuaire de Naples.

Diego Cibelli – Premier Prix Carta Bianca 2024

Cette exposition et sa communication sont soutenues par l’Association SANTéART, qui a décerné son premier Prix Carta Bianca à Diego Cibelli en 2024. Trouvant sa source au croisement de l’art et de la dimension sensible de l’être humain, le Prix Carta Bianca construit une passerelle entre le monde des artistes et le monde des patients. Il est fondé autour de valeurs-clés inhérentes aux professions de santé: partage, don de soi, engagement, solidarité, humanité et considère l’apport du contact avec l’œuvre comme source de revitalisation et de renaissance. Avec une dotation annuelle le plaçant parmi les plus importants Prix français et européens, le Prix Carta Bianca a permis au cours des trois dernières éditions le soutien de vingt-quatre artistes, choisis par un comité franco-italien.

Commissariat

Ulysse Jardat, Conservateur du patrimoine, musée Condé »

Exposition : « Napoléon à Chantilly » (6 juin - 4 octobre 2026 au Cabinet des Livres du château de Chantilly)

En complément de l’exposition « De Naples à Chantilly, les collections de la reine Caroline Murat », le château de Chantilly nous propose, avec un supplément au billet, une exposition sur Napoléon (dans le Cabinet des Livres du château) du 6 juin au 4 octobre 2026 :

« Napoléon à Chantilly »

À première vue, on ne s’attend pas à trouver des souvenirs napoléoniens au musée Condé, surtout quand on sait que le dernier représentant des princes de Condé, le duc d’Enghien, a été fusillé sur ordre de Bonaparte, alors premier consul. Malgré cela, le duc d’Aumale a rassemblé une riche collection de souvenirs napoléoniens, souvent méconnus ou inédits. Tandis que Caroline Murat est mise à l’honneur dans la salle du Jeu de Paume, le cabinet des livres présente ces témoignages rares consacrés à son frère. » [Lettre d’information du château]

Le site du château nous dit :

« A priori, on ne penserait pas trouver des souvenirs napoléoniens au musée Condé, dont le nom rend hommage à la dynastie des princes de Condé, dont le dernier représentant, le duc d’Enghien, a été fusillé sur ordre de Bonaparte, alors premier consul.

En réalité, dans la droite ligne réconciliatrice de son père le roi Louis-Philippe, le duc d’Aumale s’est intéressé à la personne de l’Empereur et à son histoire, et a réuni représentations, souvenirs historiques, archives et ouvrages dont un grand nombre sont peu connus ou n’ont jamais été montrés au public. Alors que Caroline Murat, sera mise en valeur au Jeu de Paume, le cabinet des livres exposera les souvenirs méconnus et parfois extraordinaires de son illustre frère.

Commissariat

Mathieu Deldicque, Conservateur en chef du patrimoine, Directeur du musée Condé

Florent Picouleau, Chargé d’archives au musée Condé »

Exposition : « De Naples à Chantilly, les collections de la reine Caroline Murat » (6 juin - 4 octobre 2026 au Jeu de Paume du château de Chantilly)

Le château de Chantilly nous présente une nouvelle exposition à la salle du Jeu de Paume du 6 juin au 4 octobre 2026 :

Caroline Murat par Ingres

« De Naples à Chantilly, les collections de la reine Caroline Murat

Caroline Murat (1782-1839), sœur de Napoléon Ier et reine de Naples dès 1808 aux côtés de son époux Joachim Murat, fut une grande mécène surnommée la « reine des arts ». Passionnée par la baie de Naples et les sites antiques de Pompéi et d’Herculanum, elle constitua une collection remarquable en soutenant des artistes majeurs tels qu’Ingres, Rebell ou Canova. L’exposition présentée au musée Condé du Château de Chantilly reconstitue cette collection grâce à d’importants prêts et à des œuvres récemment réattribuées. Elle met en valeur le goût novateur de Caroline Murat et son rôle essentiel dans le rayonnement artistique de Naples au début du XIXᵉ siècle, invitant le public à un voyage entre Naples et Chantilly.

Chantilly, une petite Naples

Chantilly est une petite Naples. L’exposition mettra l’accent sur le lien unissant Naples à Chantilly et Caroline Murat à Henri d’Orléans, duc d’Aumale et fondateur du musée Condé. Dernière sœur de la fratrie de Napoléon Ier, Caroline Bonaparte épouse le 20 janvier 1800, le général de brigade de l’armée impériale Joachim Murat, proche de l’empereur. Ensemble, ils ont eu quatre enfants, dont les portraits réalisés par leur professeur Benjamin Rolland témoignent de la proximité du couple Murat avec les artistes reconnus de leur époque. La collection des Murat prend racine dans la France impériale et s’enrichit durant leur règne napolitain. C’est Léopold de Bourbon-Siciles, prince de Salerne, régent à Naples à partir de 1815 au moment de la Restauration, qui reçoit en partage une grande partie de la collection des Murat. Ces œuvres rejoignent finalement, en 1854, la collection du duc d’Aumale, gendre du prince de Salerne.

La reine de l’Élysée

Si le collectionnisme de Caroline Murat connaît un essor à Naples, ses prémices prennent place en France, dans les résidences parisiennes du couple. Du palais de l’Élysée au château de Neuilly, l’exposition dévoilera l’existence d’un goût précoce pour le mobilier et les décors à l’antique, déjà prégnants dans les salons et cabinets d’études de la reine. Les paysages et vues intérieures de ces demeures rappelleront le raffinement artistique et architectural qui caractérise le mode de vie de Caroline Murat.

Napoli !

Régnant à Naples à partir de 1808, le couple Murat s’installe dans le palais royal. Cette demeure d’exception devient alors l’écrin de la collection grandissante de Caroline Murat, mais aussi un lieu où la reine accueille et développe son cercle artistique et intellectuel. Le milieu artistique et intellectuel dans lequel baigne la baie de Naples à l’arrivée du couple des Murat, est empreint d’un néoclassicisme. L’Italie est alors tournée vers son héritage antique, artistique et historique, mais aussi vers les grands noms de la Renaissance. La peinture italienne de l’époque moderne ornait ainsi les murs du palais royal.

La décennie de domination française est marquée par l’application d’une politique des arts dans le domaine archéologique. Caroline Murat développe un vif intérêt pour les fouilles archéologiques de Pompéi et d’Herculanum. Plus qu’un goût pour les trésors, c’est une véritable conscience patrimoniale qui semble être née chez la reine. Cette dernière se constitue alors un entourage composé des savants les plus éclairés tels que le comte de Clarac, Aubain-louis Millin, ou encore François Mazois qui entreprend de compiler ses travaux et dessins d’études dans les Ruines de Pompéi dédicacées « à Sa Majesté, la reine des Deux-Siciles ». Genèse d’un « musée de la Reine », les remarquables antiques conservés au musée Condé et présentés à l’occasion de cette exposition sont un témoignage de la passion archéologique de Caroline Murat et du caractère scientifique de sa collection.

Si le goût de Caroline Murat était tourné vers les œuvres du passé, la reine de Naples doit également être considérée comme une protectrice des arts et des artistes de son temps. L’exposition aura pour vocation de rendre compte de ce mécénat éclairé et de cette sensibilité pour la production contemporaine, en mettant l’accent sur des figures artistiques majeures, dont les œuvres étaient particulièrement appréciées et collectionnées par Caroline Murat. Seront mis particulièrement à l’honneur Antonio Canova – dont on doit au couple Murat l’introduction de son œuvre en France – François Gérard, Jean-Auguste-Dominique Ingres, François-Marius Granet, Benjamin Rolland ou encore Louis- Nicolas Lemasle. Un accent particulier sera mis sur les paysages napolitains et vues du Vésuve dont les principaux peintres, Joseph Rebell, Alexandre-Hyacinthe Dunouy ou encore Louis-Nicolas-Philippe-Auguste de Forbin, occupent une place de choix au sein de la collection de Caroline Murat.

Le visiteur sera plongé dans les paysages panoramiques de la baie de Naples, où les grondements du Vésuve semblent se faire entendre.

Voici un aperçu de cette fabuleuse collection :

Exposition placée sous le patronage de l’ambassade d’Italie en France et de l’ambassade de France en Italie.

Avec le soutien exceptionnel de la Direction régionale des Affaires culturelles des Hauts-de-France, de la Bibliothèque nationale de France, du Château de Fontainebleau et de l’Institut Culturel Italien.

Commissariat :

Mathieu Deldicque, Conservateur en chef du patrimoine, Directeur du musée Condé

Gennaro Toscano, Co-commissaire de l’exposition, Conservateur général, conseiller scientifique à la Bibliothèque nationale de France et professeur à l’École nationale des chartes

Ulysse Jardat, Commissaire associé, Conservateur du patrimoine, musée Condé »